HISTOIRE & SOUVENIRS  

 d'après l'un des ouvrages de Marthe CAILLAUD ( historienne )

En juin 1992 ; date de la dédicace, Marthe disait ceci ; Dans la lignée des MONARD, après Alexandre puis Emile......Henry donne aujourd'hui un essor nouveau à l'Ecole municipale de Musique de Ressons sur Matz, l'Histoire n'est jamais finie.

Il faut remonter au 19 Septembre 1921( je cite ) Monsieur le Maire expose qu'il serait nécessaire de réorganiser la Fanfare de la commune qui à la suite des évènements de guerre s'est trouvée dépourvue de tous ses instruments de musique, pour la plupart emportés par les Allemands lors de l'évacuation de 1918 ( fin de citation ).

Les Membres de cette ancienne Fanfare mobilisés en 1914 étaient plus ou moins dispersés, il serait bon d'avoir une nouvelle Fanfare municipale.

Fils d'une famille picarde, Alexandre Monard est né le 7 Mars 1882 à Morisel dans le département de la Somme.

En Avril 1906, il se marie et s'installe à Ressons sur Matz.

Alexandre ; possède déjà toutes les qualités d'un bon musicien, courageux, persévérant, dévoué, ambitieux, sentimental, discipliné, fidèle à ses convictions et très vite il contribue à la vie associative de son village.

Sa principale préoccupation c'était  " Faire de la Musique " on le remarquera sur cette photo en deuxième position avec son Saxo Soprano, mais la Clarinette restera son instrument favori.

Afin de lui rendre hommage dans les plus petits détails, j'ai voulu dans un premier temps lui créer une grande page, alors j'ai pris ma plus belle plume et ait commencé a parcourir quelques lignes.......

La musique de fond que vous entendez est un air de Clarinette, (extrait d'une mélodie qu'il a tant aimée) cette mélodie, je voudrais vous la transmettre, et vous la faire partager par le biais de l'informatique.

Son but principal, transmettre son Savoir faire. 

Le 24 Février 1922 ; La Fanfare municipale fut reconstituée d'anciens et de nouveaux musiciens présents dans la commune, le 3 Avril 1922 cette reconstitution est chose faite.

L'on apercoit devant la Mairie provisoire ( Place du Bail ) Alexandre Monard entouré de ses musiciens formant le défilé.

Le 11 Novembre 1922 : c'est la Célébration en l'Eglise Saint-Louis, durant le service religieux, la Fanfare et la Chorale firent entendre les meilleurs morceaux de circonstance.

Nous avons été heureux de voir et d'entendre notre chère Fanfare reconstituée et de retrouver à sa tête son Chef Alexandre Monard, si habile et si dévoué nous raconte Marthe Caillaud, puis en 1932, faute d'éléments, la Fanfare cessera toute activité.

En 1928 : Il élargit son champ d'actions et donne un concert à l'occasion de la Fête Jeanne d'Arc à Compiègne et participe au Festival.

Puis faute d'éléments à cause de la pénurie d'élèves, la Musique restera en sommeil une nouvelle fois. 

En 1933 : Alexandre décide de former son orchestre, celui-ci se compose de 5 musiciens (1 Batteur, 2 Saxo-altos, 1 Trompette et lui au Saxo Soprano). ( voir photo ci-contre )

Il anime tous les Bals des alentours et connait de vifs succès, de par sa générosité et sa gentillesse.

Une nouvelle société musicale se crée en Aout 1938 " Le Club Mandolinistes Ressontois " celui-ci rassemble de jeunes musiciens et musiciennes pour l'étude du solfège, de la mandoline, et divers instruments d'accompagnements, parmi les membres actifs et les sociétaires, on retrouve en arrière plan Alexandre Monard .( photo ci-dessous )

Un premier concert fut donné le 19 mars 1939 ce qui est une promesse d'avenir pour la jeunesse.......

A la Libération, Emile ( fils d'Alexandre ) fit son service militaire au 151 ème Régiment à Metz ou il fut s/chef de Musique, dès son retour, il créa son " Orchestre " ( voici photo ci-dessous )

Composé de 8 Musiciens ; 1 Saxo-ténor, 1 Trompette, 1 Clarinette, 1 Violon, 1 Accordéon, 1 Batteur, 2 Mandolines.

En 1944 : Après la mort de son père, Emile (son fils) lui succède, comme Chef actif et constitue la société de Musique du village, la première sortie officielle fut celle de l'Inauguration de la Plaque à la mémoire d'André Léger, sur la place du village le 2 avril 1945.

Cette formation, prit officiellement le nom de ( Société de Musique et d'Education Populaire ) le 1 er janvier 1952.

Un Arrêté municipal du 24 février 1952, nommait Emile, Chef de la Musique municipale et Instructeur.

Une Société dont il allait favoriser l'essor par une touche personnelle de gentillesse, de tolérance, de bonté et de patience alliée a un savoir-faire au service de tous, malgré un travail difficile de menuisier, car à cette époque le travail du bois était encore manuel, il y avait très peu de machine-outil, il devait assumer, afin de subvenir aux besoins de sa nombreuse famille de six enfants, ses loisirs n'étaient uniquement consacrés qu'à  la " Musique "

En effet, la Musique à cette époque, sans télévision, sans guère plus d'automobiles, étaient bien la, le divertissement favori de la plupart des habitants du village.

Emile, avait donc fort a faire comme Chef de Musique, notamment lors des répétitions auxquelles il se rendaient, à cette époque, sans prendre la peine de quitter son bleu de travail, ni même ses pantoufles ou quelquefois même en sabots de bois, aux hivers rudes, son premier travail, une fois sur les lieux, ( salle des répétitions ) était de choisir et de distribuer le programme a étudier, il lui arrivait même à la fin de la répétition, de s'armer de cartons pour encoller les partitions, cela se faisait très souvent autour de l'immense table familiale.

Beaucoup plus tard, les cours et les répétitions s'exécutaient à son domicile dans la grande salle commune ( salle familiale )

Les musiciens et élèves n'hésitaient pas a lui poser toutes les questions possibles sur la Théorie musicale, il leur répondait toujours avec le même calme et la même bonne humeur, durant ces soirées mémorables de répétitions, mon père contribuait a entretenir une amitié solide qui atteignait parfois son apogée, tard dans la nuit par l'inévitable petit rouge ( le ch'tio canon, comme l'on disait en Picard ) au café de la Mairie et parfois même, il terminait, avec quelques musiciens la discussion à la maison familiale. 

Emile, nous quitta le 1er février 1984, laissant derrière lui, son Ecole municipale de Musique, nous garderons dans notre mémoire, l'image de ce musicien célèbre, je dirais même illustre Chef de Musique.

Aujourd'hui nous ne pouvons rester insensibles et muets devant ce grand personnage qui, depuis plus de 40 années, a contribué à la Vie Associative de son village.

Aujourd'hui : Deux Signatures ( sur la façade de la Mairie ) 1944 - 1984 Emile et Alexandre son père 1900 - 1946. 

Fils d'Emile et petit fils d'Alexandre, Henry, reprendra le flambeau, c'est en mémoire de mes prédécesseurs que j'ai eu le désir de continuer en quelque sorte leur action. 

Passionné par la Musique, je sentais que je pouvais assumer cette fonction de Directeur Musical.

Depuis ma plus tendre enfance, j'ai vécu dans une atmosphère ou la Musique avait la priorité, mon Grand-père et mon Père faisaient partie des groupes locaux de leur époque, pour moi aujourd'hui la Musique est un moyen d'expression et de communication, c'est encore se retrouver en groupe pour explorer complètement " l'Art Musical " 

C'est aussi l'apprentissage du respect des autres à travers l'enseignement de la Théorie musicale, cet enseignement est absolument indispensable, il est dirigé vers un but collectif ou chaque élève se sent nécessaire dans le groupe et donne le meilleur de lui-même en jouant de son instrument.

J'en ai fait personnellement l'expérience dans ma carrière musical, depuis l'age de 10 ans, je participais à la Fanfare municipale de mon village, puis à l'Union musicale, créée par Emile ( mon Père ) 

En 1970 : Je suis à la Fanfare Municipale de Maisons-Alfort comme Tromboniste ( photo ci-contre )

 Parallèlement. je créé en 1986 un groupe d'une quinzaine de musiciens pour interpréter un style différent, celui de la Musique Bavaroise, 

En 1988, je dirige l'Ecole Municipale de Musique, mon seul souci, est d'aller sans cesse vers la Perfection, dans ce domaine, nul ne peut se venter de jouer mieux qu'un autre, sous prétexte qu'il joue plus fort, NON ce n''est pas cela faire de la Musique!

Le point essentiel pour créer une véritable harmonie, l'instrument doit-être " l'esclave " du musicien, il faut qu'il obéisse, il faut lui donner sa propre volonté, c'est l'oreille qui doit-être le guide, d'ou la nécessité d'une formation méthodique et d'un travail quotidien avec l'instrument.

J'attache aussi une forte importance à la Respiration et à l'Emission du souffle permettant d'obtenir de meilleurs SONS.

Mon travail consiste a expliquer en profondeur les moyens d'acquérir une bonne maitrise de l'instrument pour une meilleur qualité musicale, faire passer aux musiciens ce sens de l'Interprétation, celle-ci restera ma meilleure récompense. 

Présentation de l'Ecole Municipale de Musique, sous la Présidence de Monsieur Bernard Groseil ( à gauche de la photo) et, à ses côtés Monsieur Jacques Bénard (sous-chef de Musique)

En 1992 La décision est prise, Ressons sur Matz sera le cinquième centre de formation de Jazz du Département de l'Oise après Beauvais, Clermont, Noyon et Senlis, des stages de perfectionnement seront prévus ( voir photo ci-dessous )

Ces stages seront suivis par l'Académie Départementale du Govix Jazz Band de l'Oise sous la Direction de Michel KUS ( musicien professionnel ) et les cours seront dirigés par mes soins, un conseiller technique ( Professeur départemental) passera tous les quinze jours pour voir les élèves et leur évolution, déjà, certains rêvent à la création d'un Quintet, à leur programme sans aucun doute, du Ragtime, du Swing, du Blues etc.....cette classe musicale appelée " Big-Bang Jazz " sera totalement indépendante des deux Sociétés musicales déjà existantes au village. 

Les objectifs de cette Académie, seront de Développer et de Promouvoir le Jazz traditionnel et moderne dans le Département de l'Oise.    

Une société musicale sérieusement instituée resserre entre tous, les liens heureux de confraternité  rendent le commerce de la vie plus agréable, en favorisant les relations et en adoucissant les moeurs.

La Sainte Cécile : ( Patronne des musiciens ) les morceaux joués à l'église ont déjà permis de constater les progrès de l'ensemble des Musiciens et Musiciennes, a la Mairie, une série de trois airs connus, Rock around the Clok, Rock and Stock puis Kiki Blues, le nouveau programme est en place et a emporté l'unanimité auprès du public. La Musique établit entre chacun de nous, des rapports plus suivis et plus amicaux, elle apaise les jalousies, elle opère des rapprochements entre certaines familles, qu'un rien, un simple malentendu souvent a froissé, elle soulage des infortunes, elle habitue le peuple à l'exercice de la charité soit en apportant son obole, soit en prêtant son concours personnel, elle procure enfin ce bien-être indicible.

Cette satisfaction intérieure que tout homme éprouve se dirige vers la bonne action. 

L'Information pour : Ecouter, Encourager, Favoriser.

La Communication pour : se Rencontrer, Animer, Développer.

Continuité & Cohérence : Promouvoir la Culture pour mieux se Connaitre, Accueillir, Créer, Organiser, Réaliser, Construire, Améliorer, Entretenir. 

La Mesure : est la division en parties égales, que l'on fait de la musique pour en facilité la lecture et l'exécution, chacune de ces parties renferme le même nombre de Temps, ayant tous la même valeur.

On distingue deux espèces de mesures:

La Mesure Binaire  ( dite Simple ) 

La Mesure Ternaire ( dite Composée )

La mesure est Binaire lorsque chaque Temps qu'elle contient est divisible par deux, elle est Ternaire, au contraire, lorsque chaque Temps est divisible par trois.

Les fonctions qui servent a désigner les Mesures ont une signification fixe.

Le Numérateur ( chiffre supérieur ) indique le nombre de notes qui renferme la mesure, et Le Dénominateur  ( chiffre inférieur ) indique la valeur des notes comparées à la Ronde, qui est toujours considérée comme l'unité de Temps.

Exemple dans la Mesure à 2/4 ; le chiffre 2 indique qu'il faut 2 notes pour la mesure complête, et le chiffre 4 , que ces notes sont des quarts de Ronde, c'est a dire des Noires.Rappelons que pour battre la Mesure à deux Temps on marquera le 1er Temps en baissant la main, se sera le Temps fort,le 2ème en la levant, se sera le Temps faible,  dans la Mesure à 2/4, la blanche et la demi-pause valent deux Temps ; la noire et le soupir, un Temps ; il faut deux croches par Temps. 

Dans la Mesure à 6/8 , le chiffre ( 6 ) qui est le Numérateur, indique qu'il faut 6 notes pour la Mesure, et le chiffre ( 8 ) qui est le Dénominateur, indique que se sont des huitièmes de Ronde, c'est a dire des Croches.

La Mesure à 6/8 est une Mesure à deux Temps, elle a la blanche pointée pour unité de Mesure.

LesTemps de la Mesure sont forts ou faibles :

Le Temps fort ; commence toujours n'importe qu'elle Mesure, dans la Mesure à 2/4 , le premier Temps est fort, le deuxième est faible.

Dans la Mesure à 3/4 , le premier temps est fort, le deuxième est faible et le troisième est fort.

Rappelons que pour battre la Mesure à trois Temps ; on marque le 1er Temps en abaissant la main ; le 2ème en la portant à droite ; le 3ème en la levant, dans la Mesure à 3/4, la blanche et la demi-pause valent deux Temps ; la noire et le soupir, un Temps ; il faut deux croches par Temps.

Dans la Mesure à 4/4 , le premier est fort, le deuxième est faible, le troisième est moins fort que le premier et le quatrième est moins faible que le deuxième.

Rappelons que pour battre la Mesure à quatre Temps ; on marque le 1er Temps en abaissant la main ; le 2ème en la portant à gauche ; le 3ème en la portant à droite ; le 4ème en la levant, dans la Mesure à quatre Temps, la ronde et la pause valent 4 Temps ; la blanche et la demi-pause deux Temps ; la noire et le soupir un Temps, il faut deux croches par Temps.

Le Mouvement :est le degré de vitesse ou de lenteur qu'on donne à la Mesure, d'après le caractère de la mélodie, le Mouvement est toujours désigné en tête du morceau de Musique.

En se conformant à cette indication, il n'est jamais possible de commettre une erreur.

Pour connaître d'une manière positive la différence de vitesse qui existe entre chaque mouvement, on se sert du Métronome.

Deux systèmes sont actuellement usités : l'un ( celui de Maêlzel ) a pour principe les mouvements d'un balancier et l'autre ( celui de Léon Roques ) est basé sur la régularité des oscillations d'une pendule, tous deux sont pourvus d'une échelle numérotée.

Celui de Maêlzel, le plus ordinairement en usage, se compose essentiellement d'une tige en acier sur laquelle glisse un poids mobile, cette tige est enfermée dans une boite de forme pyramidale.

Les oscillations peuvent être ralenties ou accélérées à volonté, en allongeant ou en racourcissant la tige par le déplacement du poids mobile.

L'Oscillation 80 représente la durée d'une Blanche

L'Oscillation 70 représente la durée d'une Noire

L'Oscillation 140 représente la durée d'une Croche

On indique les Mouvements par des termes parfois français et souvent italiens, que l'on place en tête du morceau ou, s'il se produit quelque changementà l'endroit ou se changement se produit.

On compte trois mouvements principaux : l'Allegro ( vif ) l' Andante ( modéré ) le Largo ( lent )

Voici les différentes nuances de ces Mouvements, de plus vifs au plus lents, avec le correspondant du Métronome.

Vifs ; vivace, prestissimo, presto, allegro, allegretto.

Modérés ; modérato, andantino, andante, adagio.

Lents ; larghetto, largo, lento.

Il faut se garder de confondre ces termes, en usage pour désigner les degrés de vitesse, avec d'autres mots employés comme qualificatifs ; ceux-ci ont rapport au Style et non aux variations des Mouvements, tels que ; leggiero, con amore, graciodo, martiale, amoroso, con gracia, sostenuto, fieramente, brillante, energico, con anima, expressivo, con colore, leggieramente.

Les modifications apportées aux Mouvements s'indiquent par les mots suivants ; rallentando, ritardanto, ritenuto, allargando, stargando, ad libitum, a piacère, senza rigore, animato, accelérando, pin moto, pin mosso, stretto, a tempo, primo tempo, stesso tempo.

 Le Contretemps :

On appelle Contretemps, l'action d'attaquer le SON sur la partie faible de la mesure, la valeur du temps fort étant indiqué par un SILENCE. 

Les Altérations :

Il y a trois signes d'Altération, le DIESE qui élève la note d'un demi TON, le BEMOL qui baisse la note d'un demi TON et le BECARRE qui rétablit dans son état naturel la note dièsée ou bémolisée.

Les Bémols se posent à la Clef dans l'ordre suivant, qui est l'inverse de l'ordre des Dièses. 

 ( si, mi, la, ré, sol, do, fa ) c'est à dire de Quinte en Quinte, en descendant et en commençant par le SI. 

Le Point :

Mis à la droite d'une note celui-ci augmente de moitié la valeur de cette note.

Le Double point :

Quand une note est suivie de deux points, le deuxième point augmente la durée de cette note de la moitié de la durée du premier point.

Exemple : une Blanche ayant la valeur de deux Temps, avec un point, celle-ci sera augmentée d'un Temps, si cette Blanche est suivie d'un deuxième point, sa valeur sera donc de 3 Temps et demi ( Blanche = 2T + Noire = 1T + Croche = 1/2T ) 

Les Triolets : 

C'est un groupe de trois notes d'égale valeur, qui doivent être exécutées dans le même temps, pour l'indiquer on place un chiffre 3 au-dessus ou en dessous de ces trois notes, afin de ne pas confondre les trois croches qui pour mémoire la croche a valeur d'un demi temps.

Le Tétracorde :

Une Gamme est une série de 8 Notes ( do, ré, mi, fa, sol, la, si, do ) puis l'on divise la Gamme en 2 séries de 4 Notes chacune, chaque série porte le nom de " Tétracorde " ( nom d'une lyre à 4 cordes en usage chez les Grecs )

Les 2 Tétracordes sont séparés entre deux par une Seconde majeure ( 1 TON )

Nous remarquerons que la disposition des SONS est exactement la même dans ces 2 Tétracordes ( Do, ré, mi, Fa ) et ( Sol, la, si, Do )

les Notes extrèmes de chacun d'eux ( do et fa ) ( sol et do ) sont à un intervalle de Quarte Juste, ils sont tous les deux formés de 2 Tons consécutifs et d'un demi-Ton.

J'ajouterai pour mémoire que la Gamme majeure se compose de 5 Tons et de 2 demi-Tons.

Le premier Demi-Ton est placé entre le 3° et le 4° Degré et le deuxième entre le 7° et le 8° degré.

Le Mode :

Le Mode est la manière d'un TON, le Mode est la façon dont il est constitué d'après la disposition des Intervalles dont la gamme est formée.

Il y a deux Modes : le Mode Majeur et le Mode Mineur.
 
Voici comment on reconnait la Modalité d'un morceau, c'est à dire le Mode dans lequel il est écrit.

Le Mode est Majeur quand la première Tierce de la gamme est composée de ( 2 TONS )
Exemple : DO, RE, MI ( de DO à RE il y a 1 TON et de RE à MI il y a 1 TON ) cela veut donc dire que le Mode est Majeur.

Par contre le Mode est Mineur quand la première Tierce de la gamme comprend ( 1 TON et demi )
Exemple : DO, RE, et MI bémol ( de DO à RE il y a 1 TON et de RE à MI bémol il y a 1/2 TON ) ce Mode est Mineur.
En conclusion le Mode est donc caractérisé par la position du premier ( demi-ton ) de la gamme. 

La Liaison est différente de la Syncope ( voir le Traité au Chapitre suivant )

Les notes " enharmoniques " se sont deux notes de même intonation, sous l'action de Dièses ou de Bémols mais de noms différents.

Exemple : DO ( dièse ) et RE ( bémol ) est la synonymie, mais pour être exact, nous devons dire qu'il y a entre ces deux notes enharmoniques la différence d'un ( comma ) qui sous l'action des Dièses ou des Bémols ont la même intonation, cette Synonymie porte le nom d' Enharmonie.

Le " Comma " étant la neuvième partie d'un TON ; un si petit intervalle ne pouvant être saisi par l'oreille, on n'en peu faire usage dans la pratique, mais les théoriciens sont obligés d'en tenir compte dans le calcul des proportions de l'Echelle musicale.

L'Echelle musicale est l'ensemble de tous les SONS que peuvent émettre la Voix humaine ou les instruments de Musique.

Cette Echelle musicale comprend 3 Registres ( Grave, Médium et Aigu ) 

La Tonalité :

Est la prédominance d'un TON, pendant toute la durée d'un morceau de Musique, c'est la propriété caractéristique donnée à un air par la Tonique.

Pour reconnaitre la Tonique, il suffit de considérer l'Armure, le mot ( TON ) ne signifie pas seulement l'intervalle employé comme abréviatif de Tonalité ; il désigne la Gamme dans laquelle doit être exécuté un morceau.

La Théorie / La Pratique :

Il faut toujours que la Pratique soit appliquée à la Théorie, elle en est de la conséquence inévitable.

En procédant de la sorte, les élèves deviendront bons musiciens, ils acquièrent une assurance de lecture et d'intonation qui fera disparaitre l'incertitude et la timidité, la connaissance complète de l'instrument par des exercices quotidiens.

La première chose a apprendre est la tenue de l'instrument et le maniement des coulisses, le deuxième, le coup de langue et l'émission du souffle,la troisième, le mécanisme des pistons et le doigté, la quatrième, l'entretien aussi bien l'extérieur que l'intérieur.

L'exécution musicale est l'application de tous les principes qui viennent d'être énumérés, elle peut atteindre la perfection que par des répétitions fréquentes et minutieuses, pour des répétitions profitables, il faut d'abord commencer par ce que nous appellerons ébaucher un morceau, c'est à dire le faire lire à première vue à l'ensemble des musiciens.

Cette ébauche doit être faite franchement, tant bien que mal, exécutée de prime abord et les différentes valeurs de chaque temps et de chaque mesure doivent s'y trouver convenablement observées.

L'ébauche une fois terminée, le directeur devra revenir partiellement sur toutes les phases du morceau et attribuer à chacune d'elles le caractère qui lui convient ; c'est alors que l'on procède par un travail de détails par instrument séparé.

Il est facile ainsi d'adresser des observations fructueuses, quoique souvent élémentaires. Chaque éléve, appeler a jouer à son tour sa partie à découvert mettra plus de soin a étudier chez lui et, stimuler son amour propre, de ce fait il restera rarement à l'arrière de ses camarades.

Le directeur de cette manière pourra sans peine, suivre pas à pas le progrès de ses exécutants et, mieux réussir dans le choix du répertoire.

Comme le dit très savemment ( Steven Mead ) Soliste et Concertiste international, le DUO est une des formes musicales les plus plaisantes pour les Instrumentistes.

Le Rythme, la Mélodie, la Justesse et l'Harmonie s'installent facilement lorsqu'on joue à deux.

Le DUO est l'exercice idéal pour développer la Communication et mettre en place les exigences.

Une telle proximité fait que vous ne pouvez qu'écouter chaque note jouée par l'autre pour que votre SON se confondre avec celui de votre partenaire.

Steven Mead : a toujours accordé une place privilégiée aux méthodes classiques sans lesquelles une bonne maitrise technique, base absolue de tout musicien jouant d'un instrument de la famille des cuivres, n'est possible. 

Après la répétition de détails, vient la répétition d'ensemble à laquelle prennent part tous les exécutants, il est bien entendu que la Batterie ne remplit son rôle qu'en dernier lieu et, seulement lorsque toutes les parties sont convenablement faites ; car à la faveur du bruit qu'elle occasionne, il serait facile aux élèves ignorants de cacher leur incapacité.

Dans la répétition de détails, on s'attache plus spécialement à la Justesse partielle, à la Sonorité et aux Nuances, à l'étude des passages embarrassés ou difficiles quelquefois même à la correction des partitions.

Dans les répétitions d'ensemble, on régularise le Style, les Effets, la Mesure et souvent l'abandon facultatif que doit faire l'accompagnement au chant lorsque que celui-ci est obligé de retarder ou de presser, selon les exigences de la mélodie.

Il ne faudrait surtout pas oublier, les points principaux sur lesquels se basent le jugement et l'application  d'une Musique ; la Justesse, la Précision, le Style et la Sonorité.

Ces qualités sont toutes relatives à l'exécution, elles ne s'obtiennent qu'avec du temps et une pratique, c'est au directeur qu'il appartient de les faire acquérir et, ce par un travail bien dirigé d'abord, puis de mettre en évidence ensuite des morceaux intelligemment choisis.

Les Nuances ; On appelle Nuances la fusion insensible et habilement ménagée des différents degrés d'intensité du SON, ces degrés divers dans l'intensité des SONS varient le discours musical, comme les NUANCES des couleurs varient l'aspect d'un tableau.

L'Unisson partiel ;  peut s'employer par circonstance pour faire diversion.

L'Unisson général ; plus grandiose sert d'introduction ou de période finale aux morceaux importants.

Placé au milieu de phrases mélodiques il donne de l'intérêt à la rentrée de l'harmonie, surtout s'il est de courte durée et s'il ne se reproduit pas trop fréquemment.

Pour réaliser le but du compositeur l'Unisson doit être exécuté, non seulement avec justesse, mais avec précision, le Forté et le Piano scrupuleusement rendus, produisent les grands effets qu'on est en droit d'attendre de l'emploi de l'Unisson général, s'il en était autrement, ils seraient complètement manqués.

Le Piano et le Forté ; exécutés par les accompagnements, sont généralement mal compris, beaucoup de musiques se mettent a jouer continuellement avec la même intensité du SON, une persistance désespérante, le Forté n'est indiqué que par la rentrée de la batterie, qui frappe toujours trop fort et devient ainsi monotone et fatigante.

Dans d'autres musiques, les directeurs, ne pouvant obtenir de Piano convenable et cependant pénétrés de la nécessité de diminuer en certains endroits la force du SON, font taire une partie des exécutants, ils atteignent bien ainsi un amoindrissement de la Sonorité, mais qui n'est pas la véritable et ne fait jamais sensation.

Le Forté est alors trop énergique, en opposition du Piano, maigre et chétif et qui n'a pas l'air d'appartenir, par la pauvreté à la même musique, il est nécessaire qu'il y ait toujours une relation proportionnelle entre le Piano et le Forté.

Piano ne veut pas signifier abstraction partielle du personnel, ainsi effectué il est défectueux, pour être correct, il doit être plein, rond et pour cela être joué par tous les accompagnements à mi-voix.

Le Piano est une diminution de la Sonorité totale, réduite naturellement au moyen d'une moindre quantité d'air émise dans les instruments et non artificiellemnt produite par le jeu mixte et ambigu de quelques exécutants seulement.

Les Nuances qui se rencontrent plus fréquemment sont celles-ci ; Piano, Crescendo, Mezzo-forté, Forté, Fortissimo, Diminuedo, Pianissimo.

Les mots suivants sont encore très en usage ; Dolce, Légato, Marcato, Staccato, ainsi que les expressions italiennes complètent les précédentes, Poco à Poco, Piû, Molto, non Troppo.

Ces Nuances doivent être fidèlement observées et ne jamais être faites d'une façon trop brusque, il faut amener graduellement le Forté afin de ne faire éprouver aucune impression désagréable, le SON doit être caressé dans le Piano, pour être aussi doux que possible et quand survient ; le crescendo ( cresc ) on l'augmente insensiblement de manière a faire pressentir le Forté qui suit ainsi a le préparer.

Dans son apogée, le Forté ne doit être ni rude ni brutal, il sera sonore, nourri, bruyant, harmonieux mais jamais sec, par son intensité, il ne doit en aucun cas couvrir la mélodie des instruments chantants qu'il accompagne et à laquelle il vient exprimer une physionomie nouvelle.

Pour le diminuedo ( dim ) ; on agit en sens inverse, il faut éviter en toute occasion et quoi qu'il arrive d'altérer le SON aussi bien dans le Forté par une trop grande puissance de force que dans le Piano par le manque de souffle.

En général les diverses Nuances de la Sonorité, pour être convenablement rendues, doivent être fondues et amenées l'une par l'autre sans aucune secousse, le degré d'instruction musical se reconnait à la manière dont elles sont traduites. 

Les ACCORDS : Ont pour but, de mettre toutes les notes d'un même instrument en relation de JUSTESSE entre-elles, ensuite de rectifier la TONALITE de chacun d'eux, par rapport à un SON pris pour point de comparaison, car il est nécessaire, non seulement qu'un instrument soit parfaitement accordé avec lui-même dans toutes ses notes, mais encore faut-il qu'il le soit avec le DIAPASON adapté par le Corps de la Musique (Orchestre)

Le DIAPASON : Petit instrument en forme de fourche, lorsque l'on fait vibrer les branches de cette fourche en les écartant, l'on obtient un SON déterminé qui n'est autre que le LA et qui est appelé (SON fondamental)

Lorsqu'un chanteur attaque un morceau de Musique, il importe qu'il ne le prenne ni trop haut ni trop bas, afin de fixé dans sa mémoire le TON de la gamme dans laquelle il chantera, il approchera à son oreille les branches vibrantes du DIAPASON.

Pour bien comprendre les effets harmoniques et ne pas commettre de contresens dans l'arrangement des morceaux ou de la transposition des parties, il sera plus simple de s'en reporter plutôt au DIAPASON propre à chaque instrument, qu'à la notation que l'on aura coutume à lui donner. 

Ces deux opérations sont indispensables pour obtenir un bon résultat.

L'une et l'autre sont bien distinctes :

La première se porte sur le mécanisme et la deuxième sur la coulisse (partie mobile qui se règle sur le corps sonore de l'instrument) cette opération de l'ACCORD est d'autant plus sérieuse qu'une fois bien faite, elle n'a plus besoin d'être renouvelée, cependant elle rencontre de grandes difficultés dans la plupart des sociétés musicales en raison de la défectuosité des instruments eux-mêmes. 

On procède à l'ACCORD isolé de chaque instrument en prenant pour point de départ, comme note fixe la TONIQUE du corps sonore des instruments à pistons, l'exécutant donnant la note DO du médium en la répétant plusieurs fois de suite.

Il fait entendre le DO grave et le fait alterner avec le premier.

Arrive la 5ème note ou QUINTE (SOL) celle-ci règle l'ACCORD parfait au moyen de la TIERCE avec les deux premiers pistons.

Il continue de la même manière par l'ACCORD de FA en ayant soin de commencer par une note précédemment ajustée, ensuite l'ACCORD de SOL et il termine par l'ACCORD de DO (UT)

L'on divise en deux les SONS produits par les instruments à pistons :

Les SONS naturels ou effectifs dus à la vibration du tube principal, sans le recours d'aucun doigté et les SONS fictifs résultants de l'abaissement successif ou simultané des pistons.

Les coulisses correspondantes aux pistons, doivent avoir isolément une longueur fixe en rapport avec l'allongement.

La coulisse du premier piston, représente (1 TON) celle du deuxième piston, celui du milieu représente (un demi TON) et celle du troisième, le dernier des trois représente (un TON et demi) longueur des deux premiers réunis.

Tous les SONS produits par l'abaissement des deux premiers pistons le sont également par l'emploi du troisième avec une légère différence de JUSTESSE, qu'il faut utiliser dans certains cas.

Il n'y a pas pire défaut dans un ensemble que le manque de JUSTESSE, non seulement par l'oreille qui en est désagréablement impressionnée, mais encore par l'assurance des exécutants qui en est compromise.

Cet effet, que j'exagère à dessein, pour faire comprendre l'utilité de ce chapitre, se produit constamment dans les sociétés musicales qui n'ont pas la précaution de s'accorder avec soin, j'excuse jusqu'à un certain point  chez-elles, le manque de STYLE, le manque de PRECISION, mais je ne peut tolérer le manque de JUSTESSE.

C'est donc un point important auquel il faut toujours songer.

Les différentes combinaisons que donne l'accouplement des pistons permettent de n'employer, dans les TONS usités, que les bonnes notes de chaque série.

Il arrive en effet, que celle qui parait juste dans une TONALITE ne l'est souvent plus dans une autre, on doit en conséquence avoir égard aussi bien à la JUSTESSE de la note qu'à l'abaissement du piston qui la produit.

En faisant étudier l'élève, l'instrument à la main, en lui montrant les diverses manières de faire la même note, il s'apercevra de suite que chaque doigté donne au SON une NUANCE particulière au DIAPASON. 

Cette ressource est très précieuse, c'est à elle que l'on est redevable de la JUSTESSE acquise par certaines Sociétés de Musiques intelligemment dirigées.

Ces variétés du doigté aideront l'exécution a jouer juste les tenues et les chants larges, mais les mouvements accélérés, ou, la rapidité est la principale difficulté, il attachera une préférence a n'employer qu'un doigté facile, afin d'acquérir une exécution nette et brillante.

Je ne peux terminer ce chapitre sans parler d'une manière spéciale, des Embouchures, dont l'influence est si grande sur l'ACCORD des instruments. 

L'Embouchure possède quatre significations : le BORD, le BASSIN, le Grain et la QUEUE.

La SONORITE particulière qui caractérise chaque genre d'instruments est due en partie, à la forme intérieure de l'embouchure, chacune d'entre-elle a son type, à peu près fixe dont il ne faut pas s'écarter, il est donc opportun de ne changer en aucun cas les embouchures des instruments, sauf a causer un désordre regrettable dans la JUSTESSE et dans le TIMBRE de la musique.

L'Embouchure est l'outil intermédiaire entre le musicien et son instrument, par cette occasion, il est indispensable qu'elle soit parfaitement ajustée à son utilisateur, afin que ce dernier puisse exprimer les qualités de TIMBRE, de JUSTESSE et d'étendue les plus grandes.

Chaque musicien d'un bon niveau se doit de connaitre les principes de base qui feront choisir une embouchure par rapport à une autre, le moindre changement de forme d'une partie de l'embouchure entrainera sur celle-ci un comportement différent.  

 Le Diamètre de la cuvette, la Profondeur de la cuvette, le Bord, le Grain, le Perce queue.

Le Diamètre de la cuvette, définit la surface vibrante des lèvres, il doit être choisi suffisamment grand pour leur donner la mobilité utile à une bonne vibration permettant de grandes possibilités de nuances.

La Profondeur de la cuvette, sa forme et son volume définissent le TIMBRE et la qualité du SON, une cuvette profonde produit un SON bien plein et profond, la cuvette relevée donne un SON moins plein et moins rond que les précédentes, mais bien adaptée pour les instruments à TONALITE intermédiaire et également pour les registres utilisés en musique de jazz ou de variétés.

Le Bord est le contact direct avec les lèvres du musicen, il se doit d'être le plus confortable possible.

(mise en garde, toutefois, il faut savoir qu'un trop grand confort peut nuire à la fois à la souplesse du jeu et à la précision des attaques, le Bord (fin) est celui qui donnera la plus grande souplesse du jeu, mais trop de finesse peut blesser, le Bord large est généralement confortable mais peut nuire au détaché, une grande surface de muscles se trouve comprimée, l'angle inférieur du Bord a également une grande incidence sur la précision des attaques, plus il sera vif plus les attaques seront franches.

Le Grain, son perçage influe sur le volume sonore, trop petit, il sera difficile d'avoir une bonne stabilité de SON et l'on remarquera des effets de refoulement d'air, trop grand, on notera un changement du volume sonore et du timbre, le Grain doit de toute façon être choisi en fonction de la conviction du musicien, d'avoir à sa disposition une embouchure à la perce idéale pour ses capacités.

La Perce de queue, est également importante, elle transmet la colonne d'air concentrée dans la suite de l'instrument, une grande attention est également accordée à la composition du matériau des embouchures (argentées elles sont plus résistantes à l'usure provoquée par la transpiration et la salive) et seront d'un contact plus agréable. 

La Technicité des lèvres : (Justesse, Endurance, Souplesse, Sonorité)

La Justesse ; ne peut se dissocier de la Sonorité, de la Souplesse et de l'Endurance, indépendemment de la pratique des doigtés factices qui exigent une plus grande concentration que les doigtés ordinaires, le mouvement lent permet à l'oreille une vérification de la hauteur de chaque SON.

L'Endurance ; Dès le début l'élève doit être suivi attentivement par un professeur expérimenté,
Travailler généralement les notes aigues pour un élève débutant c'est faire un pas en arrière sur la voie du progrès.
Aux élèves plus avancés, nous rappellerons que certaines natures ont des lèvres plus souples, plus résistantes que d'autres, mais que celles-ci auront besoin d'un même travail de préparation.  

 

Je donne le nom d'Harmonie à la réunion de différents instruments intelligemment groupés, destinés a produire des SONS de timbres savamment variés.

Cette définition, fait comprendre que seule la composition des musiques n'est pas facultative, mais basée sur des règles fixes dont il ne faut pas s'écarter, celle-ci nous montre aussi que ses qualités principales doivent être la sonorité, la variété du timbre et la puissance, résultant de sa plus grande analogie avec l'orchestre de symphonie.

Anciennement, ce que nous appelons aujourd'hui la " Composition des Orchestres " était attribuée à l'évolution tout aussi lente des instruments de musique.

Ce n'est qu'aux XVIII ème et XIX ème siècle que les instruments à vent se sont perfectionnés, afin de permettre des Modulations sur tous les Tons et une aisance de jeu et de virtuosité suffisante pour égaler le rôle des Cordes. Avant cela, les différents instruments de la catégorie des Vents étaient disséminés selon les formes de Musique.

 Les Trombones par exemple, étaient réservés à la Musique religieuse et leur emploi était encore rare avant les oeuvres de Haendel. Les Clarinettes garnissaient les rangs des Orchestres d'Opéra à Venise, à Vienne et à Hambourg au XVIII ème siècle et n'ont servi dans les Orchestres qu'à partir de la seconde moitié du siècle.

En effet, pour une musique destinée a s'exécuter en plein air, il faudra une sonorité brillante et nourrie, capable de charmer les auditeurs malgré les bruits étrangers au milieu desquels elle devra jouer.

Un concert, interprété par un orchestre d'Harmonie est tout d'abord un plaisir, un plaisir auditif, vient ensuite le plaisir des yeux ; celui de voir tout l'orchestre, ainsi que le Chef.

Il a toujours été impressionnant d'observer l'ensemble des musiciens durant l'exécution d'une oeuvre.

La densité sonore, ajoutée à la multitude de détails visuels qui se déploient devant soi, exalte les sens, elle les oriente dans la perfection de la grandeur et de la beauté.

Pour assurer une bonne transmission acoustique, les instruments à clefs sont disposés au devant de l'Orchestre, leur rôle de noyau et d'interprète mélodique justifiant leur proximité du Chef pour un meilleur contact, la raison la plus importante réside cependant dans leur infériorité sur le plan de la projection sonore.

On entendra clairement tout instrument à vent, Bois ou Cuivre, ayant une capacité de projection plus grande que celle d'un instrument à cordes, il en est de même pour les instruments à percussion. 

En outre, il faut qu'elle soit douce, veloutée et variée, ce qui ne s'obtient que grace à la diversité du timbre.

Les instruments employés dans l'orchestre d'Harmonie se divisent naturellement en trois groupes bien distincts.

1° Groupe : ( instruments doux ) Bugles, Cors, Barytons, Basses, Contrebasses.

2° Groupe : ( instruments brillants ) Cornets, Trompettes, Trombones.  

3° Groupe : ( instruments à anche ) Clarinettes, Hautbois, Bassons, Saxophones, Hautbois..

A ces trois groupes il faut ajouter d'abord les Flûtes, puis les instruments à percussion, composés de la Caisse claire, de la Grosse caisse, et des Cymbales. 

J'appelle Fanfare, un corps de musique exclusivement composé d'instruments en cuivre.

Cette organisation ne nécessite qu'un nombre d'exécutants bien inférieur à celui d'une Musique d'Harmonie, cela se comprend puisque tous les instruments en Bois n'y figurent pas. 

Une fanfare a ses exigences spéciales, plusieurs instruments en cuivre peuvent former une Musique, mais si on néglige de les coordonner avec intelligence, selon leur genre de sonorité, leur diapason leur timbre on tombera infailliblement dans une monotonie déplorable.

Plus une musique est dépourvue de variétés de timbres, plus il est indispensable de créer des effets qui puissent doter l'exécution d'un intérêt dont elle se trouve naturellement privée.

En dehors des trois qualités mentionnées dans le chapitre précédent, la SONORITE, la PUISSANCE, la VARIETE des TIMBRES qui s'obtiennent par la combinaison d'instruments et leurs division par groupes, il en existe trois autres, non moins essentielles à une musique, qui dépendent particulièrement du personnel, je veux parler de la JUSTESSE, de la PRECISION et de l'ENSEMBLE.Celles-ci ne peuvent être acquises que par un classement logiques des élèves, d'après leur degré musical.

Dans toute société musicale, on peut diviser en trois séries les exécutants qui en font partie, ceux qui, bons lecteurs ont l'oreille musicale et possèdent bien leur instrument, ceux qui maitrisent leur instrument mais qui lisent passablement et qui n'ont pas l'oreille habituée à une musique d'ensemble, et enfin ceux qui possèdent un degré musical inférieur.

Il est donc indispensable dans un corps de musique de classer les élèves par degré de force de manière qu'ils puissent toujours se prêter un mutuel appui et de ne jamais les changer de place, l'accord des instruments ne se soutient d'ailleurs que par cette entente réciproque de chaque instrumentiste et de ceux qui l'entourent.

Cette sorte d'affinité qui s'établit entre eux forme un tout qui, s'il n'est pas la justesse parfaite, est tout au moins une justesse supportable.  

La Sonorité : Il arrive parfois que les Solistes font seuls l'objet de toute l'attention du Directeur, c'est sur eux qu'il concentre toutes ses observations.

Les Solistes : c'est sur eux que reposent les plus lourdes charges du répertoire, ils sont toujours remarqués et applaudis.

Le Directeur les choisis, les conseille, les initie avec patience à tous les secrets d'une bonne et pure exécution, les autres musiciens sont totalement négligés, il ne se préoccupe rarement dont est donné le coup de langue, de l'accentuation, de la durée et de l'intensité de chaque SON.

Cette indifférence pour la partie de la Société la plus nombreuse, la plus assidue, la plus intéressante est blâmable, elle peut engendrer deux grands défauts qui proviennent de la masse des exécutants, le manque d'ensemble, le manq